푸르트뱅글러의 음반[바그너, 그 외]

From Youth to Summit(1886~1933)
Das Dritte Reich(1933~1945)
Late Years(1945~1954)

II. His Music ;
Interpretation and Essence

그가 독일 Electrola에서 대곡의 녹음을 시작하던 1938년에 선택한 레파토리는 차이코프스키의 비창 교향곡, 베토벤의 교향곡 5번, 그리고 바그너의 '트리스탄과 이졸데' 중 1막 전주곡과 사랑의 죽음 및 '파르지팔'의 1막 전주곡과 성금요일의 음악이었다(Biddulph에서 2장 세트로 발매했으며 Naxos에서도 나왔다). 바그너는 그가 연주를 할 동안 콘서트나 극장에서 애착을 갖고 지휘한 대상임에 틀림없으나, 젊은 시절에는 그리 관심을 갖지 않았다고 하는 점이 재미있다.
오페라 전곡으로는 '반지'의 실황이 두 세트 있다. 하나는 밀라노 라 스칼라에서 50년에 가진 공연으로 플라그슈타트의 브륀힐데 등의 캐스트가 등장하며(Music & Arts), 나머지 하나는 방송용 녹음으로 엘리자베트 그뤼머(Elisabeth Grümmer), 뫼들, 빈트가센 등이 캐스트인 이탈리아 RAI 라디오 오케스트라와 한 녹음이다(EMI). 아쉽게도 나는 후자만 들어 보았는데, 한 마디로 스튜디오 녹음들에 비해 음질이 상당히 아쉽다. 또한 CD를 구하기 힘든 43년의 바이로이트 실황 '뉘른베르크의 마이스터징어' 전곡(EMI)이 있는데, LP로는 반

지 전부만큼이나 비싸다. 따라서 이 해설에서는 전곡에 대한 관심은 그가 스튜디오에서 녹음한 2개에 쏠리는 셈이다. 52년 필하모니아 오케스트라와 녹음한 '트리스탄과 이졸데'(EMI CDS 7 47322 8) 및, 빈 필과 54년 녹음한 최후의 연주인 '발퀴레'(EMI CHS 7 63045 2) 가 바로 그 녹음들이다. 전자는 아직도 전형적인 연주로 정평이 높으며, '발퀴레'는 오케스트라만이 연주하는 곳에서 들어보면 정말 역동적이고 중량감이 있으며 성악과 겹치는 부분에서도 모노랄 녹음으로서는 비교적 밸런스가 잘 잡혀 있는 좋은 평형 감각을 들려준다. 이 음반의 연주외적인 매력이라면 3장의 중가(中價)음반이라는 것과, 대본의 군데군데에 그 때 연주되는 중요한 라이트모티프(Leitmotiv)의 악보가 인쇄되어 있다는 점이다.
관현악곡의 연주는 내가 많은 음반들을 들어볼 기회가 있었지만 푸르트뱅글러에 필적할 만

한 수준의 연주는 아직 찾아보기 힘들다. EMI CHS 7 64935 2의 2장 세트로 발매된 스튜디오 녹음들은 푸르트뱅글러가 연주하는 바그너의 위력이 어떤 것인지 가장 쉽게 접근할 수 있는 길일 텐데, 빈 필과 연주한 것 중 진짜 폭풍을 연상시키는 '방랑하는 네덜란드인' 서곡(49년), 정교함이 돋보이며 절묘한 템포 감각으로 악보의 지시가 극히 타당함을 일깨워 주는 '탄호이저' 서곡(52년), 웅장한 스케일과 숭고함이 관중을 사로잡는 '로엥그린' 1막 전주곡(54년) 등은 최고의 수준임이 틀림없다. Références LP에 들어 있던 '지크프리트 목가'가 빠지고 CD에서는 플라그슈타트가 부른 '브륀힐데의 자기 희생'(52년, 필하모니아)이 들어갔는데 커플링면에서는 다소 아쉽지만 연주 측면으로만 보면 올바른 선택이라고 생각한다. 이 연주는 '지크프리트 목가'의 평화로운 분위기에는 다소 어울리지 않게 감정 표현이 크다. 반면 플라그슈타트는 이 긴 장면을 완전히 압도하는 아름답고 찬연한 목소리를 들려 준다.

위의 네 작곡가들 이외의 연주도 실황 및 스튜디오에서 상당히 많이 녹음되어 있다. 바흐 및 헨델에서 바르토크 및 스트라빈스키에 걸치는 그의 녹음 중 바흐, 하이든, 모차르트 및 20세기 음악은 찬반 양론이 있지만, 베토벤 이후의 낭만파 작곡가들에서는 그가 칭송을 받는 명녹음

이 많으며, 이를 보면 역시 그는 낭만적인 기질의 지휘자라고 해야 옳다.

그의 바흐 연주는 DG에서 나온 브란덴부르크 3번, 관현악 모음곡 3번 중 에어, 최근에 발매된 빈 필과 연주한 '마태 수난곡'(EMI CHS 5 65509 2, 54년 빈 콘체르트하우스 실황)을 구할 수 있다. '마태 수난곡'이 재미있는데, CD 2장으로, 원래 연주에서는 78곡 중 14곡이 생략되었으며 레치타티브의 일부는 단축되었다. 다시 2곡이 오리지날 테이프가 심각하게 손상되어 CD발매에서는 생략되었으므로 62곡만을 들을 수 있는 것이 아쉽다(참고로, 내가 알기론 첫 전곡 녹음은 1958년 6~8월 칼 리히터의 Archiv 스튜디오 레코딩이다). 그의 개성을 다소 억제한 흠(!)은 있지만, 오히려 거부감은 적다. 담담한 연주로 그의 약간 슬픔을 띤 해석이 곡에 비교적 잘 어울린다. 그 자신이 독주한 브란덴부르크 5번이 낭만주의적인 연주로 비양식적이라는 비평이 있자 "대부분의 사람들이 바흐의 연주는 지루하지 않으면 잘못된 것이라 생각하는 모양이군."이라 말했다고 한다.
그의 하이든과 모차르트 연주는 찬반이 엇갈린다. 하이든의 녹음으로는 베를린 필의 교향곡 88번(DG, 51

년 스튜디오)과 빈 필의 스튜디오인 94번(EMI, 51년)이 유명하다. 지휘자의 해석에 더 동의할 수 있는 것은 94번이지만, 다소 푸르트뱅글러적인 색채가 약한 것은 부정할 수 없다. 스튜디오 녹음에서는 푸르트뱅글러가 다소 곡의 균형감을 중시하는 방향으로 연주하는 것 같은데, 이것은 그 뿐 아니라 실황에서 열기가 두드러진다는 제르킨 등의 다른 연주자들에서도 볼 수 있는 현상이다. 모차르트의 곡으로는, 오페라 녹음들은 모두 실황으로만 구할 수 있다. 잘츠부르크 음악제의 실황이 대부분으로, '마술 피리'의 녹음(EMI CMS 5 65356 2, 51년)은 그 극단적으로 느린 템포로 인해 - CD 3장이라는 문제는 젖혀 놓더라도 - 거부감을 느낄 사람이 많을 것이다. '돈 조반니'는 2종이 있는데, 티토 곱비가 타이틀 롤인 50년의 녹음과 시에피가 타이틀 롤인 54년의 녹음이다. 후자(EMI CHS 7 63860 2)는 역시 템포가 느리기는 마찬가지지만, '마술 피리'보다

는 훨씬 일반적인 평이 좋다. 시에피의 강력한 타이틀 롤과 훌륭한 기타 캐스트들은 이 음반에 매력을 더해 준다. '피가로의 결혼'도 EMI에서 발매는 됐는데, 너무 무거운 약점이 있다고 한다. 관현악곡 지휘로는 세레나데 10, 13번(EMI CDH 7 63818 2, 47,49년)과 교향곡 40번(EMI CDH 7 63193 2, 48∼49년), 교향곡 39번(DG, 42∼43년)등이 있다. '아이네∼'는 지나치게 무겁게 들린다는 흠이 여전하다. HS-2088로는 훨씬 개선된 음질을 들을 수 있다(물론 리매스터링에 의심을 품을 수는 있다). 40번의 연주는 아주 빠른 템포로, 그 치고는 상당히 이례적인 일이다. 이 곡에 대해 그는 '질주하는 슬픔'이라고 말했다고 하는데, 이 말을 감안하면 납득이 충분히 된다. 39번은 녹음 때문인지 몰라도 역시 다소 무거운 느낌을 주며, 그다지 큰 매력은 없는 것 같다. 협주곡은 이본느 르페뷔르(Yvonne Lefèbure)와 협연한 20번 d단조 K.466이 널리 알려졌는데, 54년 5월 스위스 루가노에서 베를린 필과 실황녹음한 것으로, '지휘자의 협주곡'의 방식을 들려 준다(내가 알기로는 푸르트뱅글러는 이 연주에 매우 불만스러워했다고 한다).
그의 슈베르트와 슈만 및 멘델스존의 녹음은 그리 많지 않다. 슈베르트는 빈 필의 스튜디오 녹음으로 교향곡 8번과 로자문데의 발췌음악(EMI CDH 7 63193 2, 50,51년)과 베를린 필의 8번(DG, 52년 실황), 베를린 필의 9번 2종(DG, 42, 51년), 빈 필의 9번(EMI CMS 5 65353 2)을 구할 수 있다. 로자문데의 서곡은 녹음도 괜찮은 편이며, 적절한 깊이를 갖춘 낭만적인 표현은 높이 살 만 하다. 교향곡 8번(EMI)은 음질의 불균형이 상당히 심한 것이 흠이다. 9번(DG, 51년 스튜디오)은 음질이 상당히 좋으며, 슈베르트가 이 교향곡에서 의도했던 큰 규모의 웅장함 - 베토벤을 의식했겠지만 그 정도의 웅장함에는 이르지 못했을 것이다 - 을 연주

의 측면에서 접근했다고 말할 수 있다. 2악장이 특히 아름다우며, 전곡에 걸쳐 정력이 넘치는 리듬으로 일관하고 있다. 전체적으로 보아 그가 연주한 중 최고의 슈베르트 녹음이라 할 수 있다. 슈만의 녹음은 더욱 드문데, 2개의 '만프레드' 서곡(DG 실황, EMI 스튜디오. 모두 49년) 및 베를린 필의 교향곡 4번(DG, 53년), 빈 필의 교향곡 1번(Decca), 기제킹이 협연한 피아노 협주곡과 데 마휼라가 협연한 첼로 협주곡(DG, 42년 실황) 정도이다. 이 중 가장 정평이 있는 것은 아무래도 스튜디오에서 녹음한 4번일 것이다. 카라얀이 실황에서 그의 표현력에 깊이 감동했다는 해석으로, 서서히 멈추는 듯하다가 다시 힘을 얻어 전개되는 그 특유의 '사람을 기대하게 만드는' 해석은 그의 특유한 개성이며, 이것이 곡 자체와 아주 잘 어울리는 연주이다. 차이코프스키의 '비창'이나 브람스의 4번 같은 곡과 마찬가지로 이 곡에서는 이 해석이 완전히 성공했다고 할 수 있다. 멘델스존의 연주로는 스튜디오에서 메뉴힌의 독주로 52년 베를린 필과 녹음한 협주곡(EMI CDH 7 69799 2)과 '핑갈의 동굴'(EMI, 49 년) 등이 있는데, 협주곡은 메뉴힌이 두드러지게 좋은 연주를 들려 주며, 서곡은 스산하며 스케일이 크고

템포의 완급 조절이 잘 어울리는 해석을 들을 수 있다.
그의 R.슈트라우스도 매력 만점이다. 곡 수로는 불과 몇 개지만, 타의 추종을 불허할 정도로 웅장한 연주를 들을 수 있다. 특히 EMI CDH 7 65197 2로 발매된 '죽음과 정화'(50년), '돈 환'과 '틸 오일렌슈피겔의 유쾌한 장난'(54년)의 빈 필 스튜디오 녹음은 음질도 선명한 편이며, '죽음과 정화'의 웅장하고 스케일 큰 표현과 '틸'의 유머와 애수의 대조, '돈 환'의 활력과 선명한 표현력은 달리 견줄 데가 없을 정도다. 그 외에는 베를린 필과 연주한 실황녹음들이 있는데, '틸', '돈 환', '가정 교향곡', '메타모르포젠'등 몇 종류가 있다. 왜 그가 '차라투스트라' 같은 곡을 녹음하지 않았는지 애석하다. 그는 말러를 좋아하지 않았는데, 50년 잘츠부르크에서 피셔-디스카우의 독창과 빈 필의 콤비로 '방랑하는 젊은이의 노래'를 연주한 후에 피셔-디스카우에게 "나는 말러의 음악을 지금까지 좋아할 수

없었는데, 당신 덕분에 그 가치를 알게 되었습니다." 고 말한 일화는 유명하다. 이 역사적인 연주의 실황녹음도 있지만, 구하기 쉬운 것으로는 역시 필하모니아 오케스트라와 협연한 EMI CDC 7 47657 2의 음반이 좋다. 푸르트뱅글러의 음반 중에 최고급인 음질 및 피셔-디스카우의 데뷔 시절의 밝고 아름다운 음성, 부드럽고 낭만적인 지휘는 정말 훈훈하게 마음 속에 스며드는 젊음이 있다.
그는 러시아 음악을 잘 연주하지 않았지만 차이코프스키는 예외로, 빈 필과 4번(EMI, 51년의 스튜디오), 현악 세레나드의 일부(EMI), 베를린 필과 '비창'의 2종(EMI, DG) 및 이탈리아 객원지휘 때 토리노 실황녹음의 5번(Music & Art)을 남겼다. 이 중 '비창'은 둘 다 굉장한 연주지만, 위에서 말한 것처럼 38년의 스튜디오 녹음(EMI)은 그의 예술을 알기 위해 반드시 들어 보도록 추천한다. DG의 것은 51년의 카이로 실황녹음이다. 4번도 대단히 푸르트뱅글러의 개성이 강한 좋은 연주지만, 이상하게도 '비창'과 함께 EMI 본사에서는 낱장 CD로 아직 발매하지 않았으므로 Enterprise 등의 이탈리아 음반으로 구해야 한다는 것이 아쉽다. 그의 프랑스 음악으로는 프랑크의 교향곡 2종 외에 베를린 필과 라벨의 '다프니스와 클로에' 제 2 모음곡 및 스페인 광시곡(DG, 각 44년과 51년의 실황), 베를리오즈의 '라코치 행진

곡'(EMI, 49 년)이 구할 수 있는 것이다. 프랑크는 모두 빈 필과 녹음한 것으로, 45년의 실황은 DG에서, 53년의 스튜디오는 Decca에서 발매되었다. 53년의 스튜디오 녹음이 당연히 음향이 훨씬 뛰어나다. 이 교향곡의 독일적인 구성미 덕에 그의 연주가 더욱 힘을 얻었을 것이다. '라코치 행진곡'은 그의 가속도가 듣는 사람을 신나게 해 주는 장려

한 연주다.
그의 '현대 음악'으로는 메뉴힌의 독주와 필하모니아 오케스트라(EMI CDH 7 69804 2, 53년 스튜디오)의 연주로 바르토크의 협주곡 2번이 있다. 메뉴힌의 독주는 꽉 차 있는 기백과 자신감, 충실한 음향으로 권할 만 하며, 협연은 메뉴힌의 독주처럼 강인한 음색을 과시한다. 두 사람의 연주는 상당히 남성적이며, 비(非) 헝가리적이라는 말은 있을 수 있지만 들을 만한 연주임엔 틀림없다.
마지막으로, 그의 소품집에 대해 언급하자. 옛날에 도시바-EMI에서는 2종의 소품집을 발매했는데, 지금은 EMI 본사에서 모차르트 40번, 하이든 교향곡 94번, 슈베르트 8번과 로자문데의 음악, 요한 슈트라우스의 '황제 왈츠'와 함께 3장 세트로 발매했다. 모두 48∼54년 빈 필과 스튜디오에서 녹음했다. 수록곡은 앞에서 말한 것 외에 서곡으로는 글룩의 '아울리드의 이피게니아'와 '알체스테', 케루비니의 '아나크

레온', 베버의 '마탄의 포수', '오베론', '오이뤼안테', 니콜라이의 '윈저의 명랑한 아낙네들', 멘델스존의 '핑갈의 동굴', 슈만의 '만프레드'서곡, 베를리오즈의 '라코치 행진곡', 리스트의 교향시 '전주곡'이다. 연주 질로는 베버와 니콜라이의 작품이 두드러진다. 베버의 '마탄의 포수'는 느릿하면서도 신비적인 표현이 좋다. 그의 심각한 표정이 잘 어울리는 곡으로, 끝의 세 화음에서 그가 템포를 두 배는 늦춰 표현하는 데 어리둥절할 사람이 많을 것이다. '오이뤼안테'는 정력적인 리듬 및 중량감이 좋고, '오베론'은 느리게 펼쳐지는 서주가 아름다우며 주요부분은 역시 힘이 있다. 니콜라이의 작품은 약간 더 가벼웠으면 하는 느낌도 있으나, 그로서는 상당히 즐거운 기분을 표현하는 편 Furtwangler in Wien - will be uploaded

이며 오케스트라가 매력적이다. 글룩과 케루비니의 곡은 무게가 지나친 느낌이다(도시바 버젼에서 케루비니의 서곡에 문제점이 있음은 고전음악 제 2호에서 지적한 바 있다). 그 외에 가장 인상에 오래 남는 곡은 '전주곡'이다. 스케일이 크면서 다소 빠른 템포와 폭넓은 템포의 변화로 곡의 구성을 선명하게 표현하는 이 연주는 매우 설득력이 있다. 스메타나의 '몰다우'는 순음악적인 측면이 강조된 연주로, R.슈트라우스의 3곡과 붙어 있다. 멘델스존과 베를리오즈의 연주는 앞에서 언급했다.
이 본사 발매 세트에서는, 케루비니의 서곡은 일제 음반에 있던 문제점은 없으나, 슈베르트 '미완성'에서 큰 문제가 있다. 이 문제점에 대해서는 '레코드 오류' 페이지를 보시기 바란다.

푸르트뱅글러가 음악 세계에 남긴 유산은 음반 뿐 아니라 그의 연주 양식 자체도 들어가지만, 그의 연주 방법과 양식은 사실 현재의 연주가들이 도저히 흉내내기 어렵다고 생각한다. 자신이 모범으로 삼는 대상으로 푸르트뱅글러를 언급하는 지휘자들은 많지만, 그와 비슷한 방식으로 연주하여 성공하는 사람은 극히 드

물며, 오히려 그들도 양식적으로는 현대적인 길을 취하고 있음을 음반에서 알 수 있다. 예를 들어 카라얀이나 - 푸르트뱅글러가 의심할 여지 없이 그의 본보기 중 하나였다 - 자발리쉬가 유명한데, 둘 중 누구도 푸르트뱅글러의 스타일을 그대로 흉내내지 않는다(아마 못 할 것이다). 바렌보임이 아마 그의 스타일을 따라가려 노력하는 것 같은데, 현재 68세가 된 그가 같은 나이 때의 푸르트뱅글러만큼 평가받고 있는가? 현재는 토스카니니를 흉내내어 성공할 수는 있을는지 모르지만 푸르트뱅글러를 모방하지는 못한다. 시대가 변한 탓이다. 냉정하게 말해서, 그의 음악은 이미 지금의 연주 스타일의 관점에서 보면 낡았다. 그렇다고 그의 연주에서 얻을 수 있는 압도적인 감명을 포기한다면 이는 감상자의 손해일 것이다. 불레즈의 말투를 빌자면, 토스카니니의 업적이 역사적임에도 불구하고 그의 스타일은 현대의 모든 지휘자들에게 스며들어서 다소 진부해진 것인지도 모른다. 현재 지휘자들 중에서 푸르트뱅글러와 같은 음악을 들려주는 사람은 없으며, 역으로 이것이 그의 독창적인 지휘를 돋보이게 하는 것일지도 모르겠다.
혹자는 푸르트뱅글러를 '19세기의 유물과 같은 존재, 즉 장엄하긴 하지만 우리시대에는 한물간 지휘자'라고 하기도 한다. 이에 대한 카라얀의 언급을 같은 인터뷰에서 다시 인용한다.

확실히 그는 당대의 한계를 넘어선 사람이었다. 토스카니니와는 철저히 다른 방법으로, 그는 자신의 불멸성을 이룩해 놓았다. 요즘에 푸르트뱅글러의 음반이 계속 발굴되고 재발매되는 것도, 현재처럼 외적으로 음악 시장이 엄청나게 팽창하는 중에서도 정반대로 음악 해석의 자유로운 가능성이 계속 줄어드는 분위기에서 그의 독창성이 점차 돋보이기 때문일 것이다.
내가 음악을 조금씩 들으면서 계속 의문을 품어 왔던 것 중 하나는 '어디까지 악보의 지시에 따라야 하고 어디까지 연주자가 결정해야 하는가?'이다. 악보의 지시에 엄격히 따르는 방향으로 가면, (토스카니니의) '신즉물주의(新卽物主義, Neue Sachlichkeit)'와 현대의

'원전 연주'가 필연적이다. 연주자의 재량을 강조한다면 푸르트뱅글러의 소위 '내용적 주관주의' - 결코 타당한 말은 아니겠지만 적당한 말이 없어서 사용한다 - 가 반대편 극점일 것이다. 전자는 '작품의 본래 모습을 재현한다'는 것이, 후자는 '개개인마다 다양한 음악을 창조한다'는 것이 장점이며, 단점으로는 전자는 '개성이 없어지기 쉽다'는 것과, 후자는 '작곡자의 의도를 왜곡할 수 있다'는 것이다.
독자들께서는 이 둘 중 어느 쪽이 바람직하다고 생각하시는가? 내 사견으로는 현재 - 특히 20세기 후반 - 음악 연주는 소위 '이미 아는 이야기의 새로운 해석'을 보여주는 방향으로 가고 있다. 이것은 현대음악이 거의 표준 레파토리로 바로 인정되던 19세기와 크게 다른 현상이다. 같은 곡의 새로운 해석이 크게 요구되는 시대에 '개성의 매몰' 현상은 큰 문제이다. 악보가 더욱 더 정확히 연구되는 요즘에, 오히려 새로운 해석의 가능성이 점차 줄어든다는 것이 아이러니가 아닌가? 연주자간의 차가 줄고 개성이 점차 상실된다면 '이미 아는 이야기의 새로운 해석'이 무슨 의미가 있는가? 토스카니니가 등장하던 시대에는 그가 시대적 요청이었지만, 현재는 푸르트뱅글러가 시대적 요청일 것이다.
그의 음반이 다시 인기를 끄는 이유는 단순히 사람들의 취향이 바뀌었기 때문만이 아니며, 그것보다는 개성적으로 곡을 파악하며 사람들에게 압도적으로 감명을 주는 '내용주의자'의 최후의 거장이기 때문이리라. 그의 지휘를 듣고 감동하는 사람이 있는 한은 그의 양식이 '즉물주의자'의 관점에 대한 대안으로 끝까지 남아 있을 것이다.